On pourrait dire la même chose de la photographie qui en isolant un objet, une situation des personnages qui lui sont préexistants créée une nouvelle idée de cet objet, ces personnages, cette situation.
Le ready-made est une attaque majeure contre l’idéologie de l’œuvre d’art, objet unique produit de la main de l’artiste. Il peut être duplicable. C’est également une remise en cause de l’idée qu’une œuvre d’art suppose nécessairement un travail acharné. L’artiste n’est même pas à l’origine de la réalisation de l’objet qu’il va "inventer" œuvre d’art. A la même époque, Man Ray photographe et grand ami de Duchamp, proche des surréalistes, totalement intégré à la vie artistique de son époque, déclare "Le moindre effort possible, pour le plus grand résultat possible, c’est ma règle ".
Dans les années 60, les hyperréalistes vont reproduire les cadrages, les perspectives des photographes et essayer de recopier à l’identique des objets réels. Alors que la fonction de l’art figuratif est habituellement de reproduire le réel afin de l’exprimer - c’est-à-dire de le rendre sensible par un ensemble formel de signes capables d’en dégager le sens - l’hyperréalisme vise à une reproduction en quelque sorte non exprimante du réel, mais seulement informative, comme pour revendiquer le fameux caractère documentaire de la photographie. Force est cependant de constater que plus on tend vers la reproduction du réel au travers des œuvres d’un sculpteur hyperréaliste tel que Duane Hanson et plus l’œuvre est expressive...
Aujourd’hui, la symbiose entre la photographie et les autres modes d’expression est totale en raison de leurs influences réciproques. La photographie appartient souvent à l’intimité même de l’œuvre des plasticiens, même si son statut social reste encore fragile. Ne serait-ce que dans la mesure où un grand nombre d’auteurs préfèrent se reconnaître dans l’appellation Plasticien que dans celle de Photographe...
 
Cependant l’intérêt du débat n’est pas exclusivement historique. Il a toujours des répercussions dans la pratique des photographes d’aujourd’hui. Consciemment ou non ces derniers veulent souvent donner une légitimité à leurs images, en mettant en oeuvre des stratégies destinées à affirmer une opposition ou une identité avec la peinture. Ainsi leurs photographies trahissent leur volonté, de légitimer leur pratique en dissimulant son caractère mécanique (le flou, les procédés spéciaux, les photos peintes, la photographie non figurative etc .) ou ils utilisent des dispositifs pour donner à l’objet photographie des signes associés à la peinture (exposition au musée avec cadres à l’identique des tableaux, négatifs brûlés solennellement en public pour créer des œuvres uniques, signature et numérotation, impression sur toile des images etc.)
A la mort de Cartier Bresson, un témoignage de Raymond Depardon dans l’hebdomadaire Télérama révèle comment la pratique de Cartier-Bresson s’inscrivait dans une référence à l’esthétique de la peinture classique.
Je l’avais vu pour la première fois à l’enterrement de De Gaulle, en 1970. J’avais un gros téléobjectif. A la sortie de Notre-Dame, il est venu vers moi et m’a dit : " Ta photo ne restera pas, ça ne sert à rien ce que tu fais. " Lui, il était là, avec son Leica, au 50 mm, dans la foule.
Cartier Bresson inscrit ses images dans une tradition esthétique antérieure à la photographie avec une perspective destinée à donner l’illusion de la réalité. Tous les effets de perspectives spécifiques à la photographie (télé, grand-angle etc.) sont reproductibles par la peinture ou le dessin, mais c’est la photographie qui en a généralisé l’usage. Le modèle esthétique de Cartier Bresson s’inscrit dans une tradition beaucoup plus ancienne que la photographie dont il ne veut retenir comme apport que "l’instant décisif" et le noir & blanc.
Même la législation reflète ce débat. La loi a longtemps opposé la photographie œuvre d’art à la photographie présentant un caractère documentaire. Ces deux catégories semblaient tellement évidentes au législateur qu’il n’a pas cru nécessaire de les expliciter. Et du coup, une partie de la législation fiscale, de la législation sociale et de la législation sur le droit d’auteur reposait sur cette opposition. Malheureusement, selon l’époque, le juge ou l’inspecteur des impôts, une même photographie allait se retrouver dans l’une ou l’autre de ces catégories. Cette dichotomie a disparu de la plupart des textes il y a une dizaine d’années, mais elle reste souvent présente dans les têtes comme le montrent les jurisprudences en matière de droits d’auteur.